6/12/11

Apuntes de Clase : Prehistoria

La noción de arte que hay en la prehistoria es distinta a la actual ya que está basada en las necesidades.
El período va desde el primer omínido hasta el nacimiento de la escritura.
La Prehistoria se divide en dos grandes etapas:
La edad de piedra (que a su vez se divide en paleolítico, mesolítico y neolítico) y ya edad de los metales (que se divide en cobre, bronce y hierro).
Durante el neolítico se produce una revolución que está relacionada con el cambio del hombre de ser nómade para pasar a ser sedentario, dando lugar a nuevas formas de arte).




Edad de Piedra: Paleolítico


La naturaleza posee un poder extraordinario ya que realiza cosas que no se pueden comprender por el hombre.
Surge el pensamiento mágico para invocar las fuerzas naturales.
Intento de copia de la naturaleza con el intento de invocar sus fuerzas.

Cueva de Altamira



Venus de Menton (las venus tenían asociada la idea de fertilidad)




Neolítico


Al dejar de ser nómades y pasar a ser sedentarios los hombres, surgen nuevas formas de arte como la cerámica.
El Dolmen siempre es un monumento funerario.

Dolmen de la Chabola



El Cromlech también es un monumento que se caracteriza por siempre tener una forma circular que se utilizaba para rituales.
El más conocido es el de Stonehenge



En la pintura del neolítico la pintura era más sintética ya que se necesitaban menos detalles para comprender la significación de los símbolos.

Parietal de Tassilli



Edad de los Metales: Bronce


Arte Micénico "Dama de Micenas"



Máscara Mortuoria, se realizaba sobre la cara de la persona, es una imagen indicial ya que si o si era necesario tener a la persona allí para la misma.



La cultura micénica es la civilización anterior a la griega.

Culturoa precolombina


En el arte precolombino era muy común la dualidad entre vida y muerte en las esculturas.
En el arte Olmeca existe una característica que es la de las cabezas grandes, en homenaje a los jefes de las tribus.

Cabezas colosales olmecas

5/12/11

Clasificar la fotografía, con Perec, Aristóteles, Searle y algunos otros... Valérie Picaudé

Con la historia del arte lo que sucede es que a penas se acaba de formular una ya llega otra para invalidarla, lo mismo que con las clasificaciones.

De géneros y discursos

Para Aristóteles no existe una ciencia del individuo, śolo existe una ciencia de la especie. Ninguna fotografía podría ser objeto se una definición, mientras que todas ellas se prestarán a la descripción.
En el arte el término género si bien se usa para clasificar también se usa para juzgar en función del espectador y de la perfección artística de la obra.
El género es el lugar en donde se construye la relación de la cosa con su nombre. La fotografía posee la particularidad de pertenecer al mundo de la cosa (en el sentido de huella, índice) como al de la representación (significante de la cultura visual). Ver una fotografía ¿Es más próximo al hecho de ver la cosa fotografiada o al hecho de ver una imagen?
¿Qué puede una teoría de los géneros decirnos sobre la fotografía?
¿Qué puede un análisis de los géneros fotográficos decirnos sobre la percepción de las imágenes?

Pragmática de los géneros y pragmática del lenguaje


Frye dice que el objetivo principal del estudioso poético no debe ser el de clasificar los géneros sino el de clarificar las relaciones entre las obras utilizando las distinciones genéricas.
En este texto se sostiene la teoría que los géneros sirven más ara dar algunos puntos de referencia que para etiquetar o clasificar.

En una fotografía el aspecto intencional tiene por lo menos tanta importancia como los aspectos contextuales y formales.

Hiperclasificación: de la clasificación genérica a las bases de indezación

Los géneros en la fotografía son parte de una geometría variable que pueden terminar multiplicándola.

Distinguir los géneros


Se desdibuja en fotografía el límite entre las fotografías con fines artísticos y aquellas no relacionadas con dicho campo.

Dominación de lo visual, resistencia del género, extrañeza de la imagen


La fotografía contemporánea está encerrada en su carácter de imagen, se convertiría en algo genérico respecto al conjunto de la producción visual.

Para Daney, se denomina imagen a aquello que posee un apoyo en la experiencia visual, proponiendo una oposición binaria entre visual e imagen, se podría llegar a pensar en una triada visual, género e imagen.

Una doble historia de la confusión


La confusión de los géneros podría pensarse desde dos lugares.
Primero remontándonos al pasado, en el romanticismo, con la hibridación de la categoría Aristotélica de lo tragico cómico en donde estas dos categorías nos se ven alteradas la una por la otra.
Segundo basándonos en Lessing con el tema del a "confusión de las artes" en donde habla de la confusión de los géneros.

Temas / preguntas del parcial

* Hay una pregunta en el examen que es cuándo y dónde presentó Derraguer el daguerrotipo, 19 de Agosto de 1839 frente a la Academia de la Ciancias y de las Artes en París
* Hay muchas preguntas sobre los distintos tipos de movimientos en donde deberás caracterizarlos y dar ejemplos
* Hay una pregunta sobre cómo está dividida de la prehistoria, se deberá poder mencionar a las cuevas, a las venus, al dolmen, a los cromlec.
* Sobre Egipto se preguntará sobre la ley de máxima representación, sobre las mastabas, la paleta de Narmer, Akenatón y Atón.
* Sobre Roma se preguntará sobre el Partenón y la Columna de Traján.
* Sobre Grecia hay que poner las 4 etapas, hablar de la escultura griega, el concepto de lo clásico, las edificaciones más importantes, Platón y la escultura.
* Sobre la Edad Media el arte como función didáctica, la estructura de la iglesia románica, la catedral gótica, los libros iluminados.
* Sobre el Renacimiento, Brunellescci, Giotto, el lugar del artista, Van Eycke, Da Vinci (esfumato, perspectiva aerea), Miguel Angel.
* Sobre el Barroco, Caravaggio, el realismo tenebrista, Vernini, Rembrandt, Velazquez.
* Sobre el Neoclasicismo, el juramento de los Horacios y Marat.
* Sobre el Romanticismo Goya, La balsa de la medusa y La libertad guiando al pueblo.
* Va a preguntar qué artistas usaron cámaras oscuras para la perspectiva.
* Va a preguntar del realismo una comparación entre Millet y Curbet.
* Sobre la relación entre el impresionismo y la fotografía (instantaneidad, punto de vista, encuadres)
* Sobre el post impresionismo de Van Gogh y Cesanne.
* Sobre las vanguardias en general preguntas específicas de cada vanguardia.
* Preguntará que es el Ready Made
* Preguntará qué se entiende por foto directa y vuelta al orden
* Preguntará sobre los retratos del Fayum

4/12/11

"De Goya a la Torre Eiffel" Ana María Pigretti

LAs ideas de la Revolución Francesa con la utopia de un mundo igualitario se prolongarán hasta el siglo XX, generando una gran influencia en el siglo XIX. El Art Nouveau (o la belle epoque) finaliza al comenzar la Primera Guerra Mundial.
Goya es quien da comienzo al arte que se gestará en el siglo XIX, quien tiene una forma de retrato que llega al retratado desde distintos lugares, a veces en forma realista, a veces caricaturesca. Su obra "Los fusilamientos del 3 de mayo" muestra la represión contra los movimientos españoles antrifranceses el cuál sirvió de inspiración a MAnet para su obra "La ejecución de Maximiliano" y a Picasso para "Masacre en Corea".
El siglo XIX el avance industrial genera un movimiento de clase que llevará a los artistas a buscar un arte que refleje la realidad de la época y para ello se volverá a buscar en el pasado, los neoclásicos en Grecia y Roma, los románticos en la Edad Media.
Los Neoclásicos buscarán expresar valores universales y eternos y considerarán al arte grecoromano como un modelo de equilibrio, medida y claridad, su principal representante fue J L Davidcon "El juramento de los Horacios" de 1784 exaltando virtudes como el sacrificio por la patria.
El Romanticismo retomará la idea del arte como inspiración y lo exaltará a través de la pasión amorosa, la religión y la muerte. Su máximo representante será Delacroix quien tendrá una gran variedad temática.
El Realismo tendrá una forma particular de ver la realidad y uno de sus principales referentes será Daumier, Courbet quien mostrará en sus cuadros los conflictos sociales y religiosos de la época como por ejemplo se ve en su obra "Los picapedreros". Millet buscará un lenguaje propio sobretodo en sus paisajes, con la utilización de la acuarela y el óleo dejando una visión poética de la realidad. Turner en cambio buscará en la naturaleza lo insólito, lo dramático, pintando incendios y aludes.
A partir de 1870 con los descubrimientos en la física y la revelación de los colores se comienza a trabajar mucho el tema de los reflejos en el agua, lo fugaz cobra mayor relevancia, los principales referentes del impresionismo serán Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas.
Posteriormente se comienza a a huir de la realidad desigual que se estaba llevando a cabo y se vuelca la pintura a formas más geométricas y simbólicas en artistas como Cezánne, Van Gogh, Gaugin, Toulouse LAutrec y Seurat.
Se transforma la realidad o se la deforma hasta lo grotesco y esos cambios anuncian el arte de la primera mitad del siglo XX.
El Art Nouveau se convierte en un arte de decoración de la arquitectura, y en España tendrá su referente con Gaudí quien creará obras fantásticas, irreales y simbólicas.
Rodin producirá un gran cambio en la escultura ya que producirá obras horizontales en lugar de verticales.
En 1889 para la Exposición Universal llevada a cabo en París el ingeniero Eiffel levantó una torre de más de 300 metros.

El pensamiento filosófico también influyó sobre el arte, Nietzsche sobre el Expresionismo alemán, Bergson sobre el Fauvismo. el Cubismo y el Futurismo.
Las primeras vanguardias estuvieron impregnadas del concepto de Modernidad que implicaba innovación y cambio, buscando nuevos materiales y técnicas para sus obras.
En la fotografía la misma dejó de ser consideerada como algo utilitario y se comenzó a asociar con un fenómeno artístico.

El expresionismo tuvo dos focos, el francés (nacido en 1905 llamado Fauvismo) y el alemán. El líder del Fauvismo fue Matisse caracterizado por sus largas pinceladas y colores vivos.
En el expresionismo aleman se caracterizaron Van Gogh y Munch.

"Del Renacimiento al Barroco: el esplendor del arte" Ana María Pigretti

En el siglo XV en Florencia surge una nueva concepción artística que configuró el Renacimiento de la mano de 3 artistas: Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
Brunelleschi se destacó como arquitecto y una de sus obras más conocidas fue la cúpula de la catedral de Florencia en donde utilizó un novedoso sistema de proyección. Proveyó las bases matemáticas para la utilización de la perspectiva en el arte.
Se piensa que Brunelleschi colaboró con Masaccio en el fresco "La Trinidad" por el rigor de la perspectiva de la obra.
Donatello se destacó entre muchas otras cosas por ser el primero en hacer un desnudo en bronce.
Van Eyck con "El matrimonio Arnolfini" también utiliza la técnica de la profundidad.
A partir dell siglo XV se comienza a buscar una espiritualidad que lleva al trabajo de Botticelli con un manejo sinuoso de las líneas.
Aquí se puede dar fin al arte del Alto Renacimiento con Leonardo, Miguel Angel y Rafael.
Surge el concepto del genio ampliado, donde no sólo debía destacar en una cosa o rubro sino en varias, claro ejemplo de ellos fue Leonardo quien se destacó como pintor, escultor, arquitecto e inventor, también estudió la la disección de cadáveres, la mutación de los órganos por la edad y las leyes de circulación de la sangre.
En su pintura "La última cena" eligió el momento en el que anunciaba Cristo que uno de sus discípulos lo traicionaría, a pesar de la distribución de los personajes por la luz que utiliza Judas aparece iluminado resaltando de los demás.
Rafael fue pintor y arquitecto y pintó La Escuela de Atenas" que representa la verdad natural o racional, representando a Platón y Aristóteles rodeados por filósofos, por el formato centralizado y simétrico y el fondo arquitectónico se puede ver una influencia de Leonardo, quien se ve dibujado en el rostro de Platón, Miguel Angel es Heráclito y él mismo es parte de la obra también.
Miguel Angel fue pintor, escultor y arquitecto decoró "La Capilla Sixtina" y pintó "El Juicio Final" en ambas obras se ve un profundo sentimiento religioso. En La Capilla se ve en la forma de pintura de los cuerpos desnudos una gran maestría para pintarlos en cualquier posición. En "El Juicio Final" rompe con las reglas de composición ya que los grupos superiores son más pesados que los inferiores. La supresión del espacio nos hace pensar en la correspondencia con el Manierismo en 1520 al que pertenecen varias de sus obras.
El Manierismo en su comienzo fue puesto como un nombre despectivo (por rebuscado y artificioso) y actualmente se refiere al movimiento ubicado entre el Renacimiento y el Barroco.
El término barroco en un comienzo definía algo irregular, contorsionado y grotesco, abarca desde el 1600 hasta el 1700, se lo llamó el arte de la Contrareforma ya que la Iglesia preconizaría la enseñanza por medio de imágenes y se desplegaría un lujo desmedido en la decoración de las iglesias.
A Caravaggio se lo considera el iniciador del Barroco en cuyas obras se sacralizaría lo cotidiano. En su obra "La Vocación de San Mateo" representó al santo como un recaudador de impuestos.
En Bélgica quién representa al artista de esa época es Rubens quien posee obras cuya sensualidad representaría al barroco.
En Holanda el representante es Rembrandt quien tiene una gran influencia de Caravaggio.
En España Velázquez con "La meninas" mostrando un retrato colectivo y una escena costumbrista.
Otra figura importante del arte barroco será Bernini. El mundo barroco fue considerado como un gran teatro del mundo y la plaza de San Pedro que diseñó Bernini representa perfectamente dicha función. Otra obra importante del mismo autor es "El Éxtasis de Santa Teresa" que posee un gran realismo sensual.

3/12/11

"La mujer y la fotografía" : "Comienzo del recorrido". Alejandra Niedermaier.

Elizabeth Fulhame "Con vistas a un nuevo arte de la tintura y la pintura" hace un análisis de la incidencia de la luz en distintas superficies, 1794.

Constance Talbot 1839 escribe sobre sus tomas y experimentos.

Genevieve Elizabeth Francart Disderí utilizando el formato que plantea su marido, las cartas de visita, realiza diversas fotografías de su localidad y alrededores en 1857.

Norma Bentos nace en 1929 y fotografía eventos para "La Razón" luego se especializará en peleas de box.

"La mujer y la fotografía" : "La puesta en escena". Alejandra Niedermaier.

Peter Burke en "Visto y no visto, el uso de la imagen como documento histórico" plantea si el retrato es un espejo o una forma simbólica ya que las poses y los objetos representados están cargados del sistema simbólico de su tiempo.
Con el paso del tiempo y el uso de escenografía se ve un interés por afirmarse personal y socialmente.
El retrato es un signo que comprende desde la descripción de un individuo hasta su inscripción en una deseada identidad social. Cada retrato para cada ciudad era una forma de autoreconocimiento y un símbolo de pertenencia.

"La mujer y la fotografía" : "La fotografía: una condensación de variables". Alejandra Niedermaier.

Todas las imágenes contienen una importante densidad de significaciones.
Sobre el carácter de índice de la fotografía podemos ver que la relación que hay entre una huella de nuestro pie sobre la superficie es la misma que la relación entre la fotografía y su referente.
La fotografía tiene 3 deseos del hombre por cumplir:
1- alcanzar un alto grado de mímesis con la realidad
2- ampliar sus conocimientos
3- representar
Para el punto uno fue fundamental el conocimiento de perspectiva profunda surgido durante el Renacimiento de la mano de Brunelleschi.
Sobre el punto dos podemos retomar una frase de Platón quien dice que para que se logre el conocimiento son necesarios tres elementos, el nombre, la definición y la imagen.
Para el punto tres retomaremos una frase de Aristóteles quien dice que nos complace ver imagenes porque al verlas aprendemos y deducimos lo que representan.
Desde el comienzo de la burguesía en el siglo XI y XII surge la búsqueda por una nueva imagen de la realidad que se ve plasmada en las pinturas de Giotto. Con el daguerrotipo la burguesía encuentra en la fotografía un nuevo medio de autorepresentación de acuerdo a sus alcances económicos.
La fotografía multiplica la memoria, la democratiza y le aporta precisión.

"Orden", belleza, realidad. Ana María Pigretti

Los griegos trabajaron en arquitectura con dos grandes órdenes, dórico y jónico (que se establecieron en el período arcaico 660 - 480 AC). El corintio que surgió a mediados del siglo V AC es una variación del jónico.
Si bien estos órdenes diversos podrían pensarse asociados a distintas épocas, la realidad es que fueron usados indistintamente, a veces conviviendo en la misma obra, para el interior y el exterior.
Para el Partenón en el exterior se utilizó el orden dórico y el jónico para el interior.
Se entiende por orden a la regla que rige la forma, la escala, la decoración, etc.
Si se ve un templo dórico se verá que las columnas se adelgazan hacia arriba terminando en un capitel con forma de almohada.
Si se ve un templo jónico las columnas serán más angostas y la terminación del capitel con forma de espiral doble.
En la escultura humana se empezó a prestar mucha atención creando los kouroi (hombres) y las korai (mujeres), en un comienzo existe una influencia egipcia pero posteriormente se van alejando de ella.
Los kouroi poseen una búsqueda de movimiento que hace que tengan el peso del cuerpo hacia la pierna que avanza mientras que la otra se dobla levemente, se separan os brazos del cuerpo.
La escultura del período helenístico, último tercio del siglo IV AV, incorporó nuevos temas y así surgen mujeres viejas y sufridas, borrachos, guerreros moribundos y demás.

2/12/11

Una mirada a "Filósofo en Meditación" (Rembrandt) . Juan Doffo

En la obra "Filósofo en Meditación" de Rembrandt se ve una composición de la obra con marcados contrastes de luz y sombra, la escalera central y el filósofo junto a la ventana podrían verse como una indagación del lugar que ocupa el hombre en el cosmos.
Rembrandt es un pintor que se empieza a alejar de la racionalidad y el mundo renacentista para comenzar a acercarse a las teorías coopernicanas y a la descentralización de distintos trazados y colores.
En su sobras no se ve un intento de copia fiel sino una búsqueda más ligada a la indagación espiritual del retratado.

Vincent. John Berger

Sus cuadros invitan al silencio sin caer en el golpe bajo del patetismo, sin intento de generar compasión en el espectador.
¿Qué es lo que hizo que este hombre fuera uno de los pintores más famosos?
Él pintaba las cosas cotidianas y las amaba, sin por eso elevarlas o idealizarlas, se volvió existencialista y sis obras son lo que se ven, los girasoles son plantas y no constelaciones.
En el cuadro de los dos campesinos en el campo, los hombres están pintados con los mismos colores que la tierra, se intenta con eso expresar la unión y la relación del campesino con la tierra; esta obra fué pintada sólo con el recuerdo de los campesinos ya que Van Gogh no se hallaba contemplando a los mismos al momento de pintarla.

1/12/11

Los retratos de Fayum. John Berger

Los retratos de Fayum son los más antiguos que se conocen; sin embargo son retratos que nos parecen más actuales y una de las razones para que eso sea así es que son híbridos y que en su mezcla hay algo similar al arte actual.
Están pintados sobre madera en su mayoría y algunos sobre lienzos, la escala de las caras es un poco más pequeña que la natural. La superficie sobre la que se pintaban los retratos era oscura y los colores utilizados negro, rojo y dos tonos de ocre.
Se llamaban retratos de Fayum porque allí fueron encontrados.
Son retratos de una clase media urbana, profesional, a veces se dice sus nombres, otras no. Fueron descubiertos en necrópolis ya que eran retratos para acompañar a la momia de la persona cuando fuera enterrada.
Tenían una doble función ya que por un lado ser identificatorios de los muertos en su viaje con Anubis, y por otro ser un recuerdo para la familia del muerto ya que el proceso de momificación llevaba más de dos meses.
Los retratos son híbridos ya que Egipto estaba gobernado por romanos y a su vez los pintores eran griegos por lo que usaron técnicas naturalistas griegas aunque los retratos fueran parte de una tradición egipcia. Por otro lado a pesar de ser parte del ritual egipcio los rostros son frontales siguiendo la tradición griega y no egipcia.
Eran retratos destinados a ser enterrados por lo que solía existir una relación particular entre el artista y el modelo.
Pintar era nombrar y ser nombrado era una garantía de continuidad.